Categoría: Música

 Uno de esos iconos dentro de la sincopa es la cantante Betty Carter, quien a pesar de haber fallecido hace más de dos décadas su legado sigue intacto en la historia de la música.

La intérprete logró empujar los límites de la melodía con sus juegos y colores de voz, pues su famosa manera de ejecutar las notas del bebop dando cambios bruscos en el tempo, la llevaron a ser reconocida dentro del mundo jazzero.

Se dice que no logró la fama de nombres como el de Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan o Carmen McRae, pero que eso no limitó sus dotes dentro de las notas, pues al hacer sus grabaciones independientes podía entregar más de su esencia en cada una de sus ejecuciones, así como hacer uso del poder que tenía en su scat.

Exigía independencia para trabajar, pero también se exigía hacia sí misma para llevar las grabaciones a otros límites de la sincopa, ambas situaciones le otorgaron el reconocimiento y respeto de sus público.

Además de todo, Carter se destacó por apoyar nuevos talentos, siendo también constante luchadora por la libertad y la música, siendo activista constante hasta su muerte en este año.

Betty creció en la ciudad de Detroit, donde su padre trabajó como director musical en la iglesia, por lo cual se ligó más al mundo de las notas y comenzó a estudiar piano en el Conservatorio de Música de esta ciudad. Desde que comenzó sus estudios en la secundaria, la inclinación por el bebop se hizo cada vez más frecuente en su acervo melódico, y desde los 16 años acompañó al piano a Charlie Parker en uno de sus conciertos.

A la par de su ascenso dentro de los genios de la época, la cantante ganó un concurso de talento y se convirtió en una de las constantes dentro de la marquesina de los clubes de moda, para tocar tanto el piano, como para cantar junto a grandes de la talla de Dizzy Gillespie, Sarah Vaughan, y Billy Eckstine cuando se presentaban justamente en Detroit.

A finales de los 40s, cuando Lionel Hampton llegó a la ciudad la contrató como vocalista, tiempo después fue apodada como Betty Bebop por el mismo Hampton, se dice que a pesar de que Gladys la esposa de Lionel se oponía a que contratara a Betty, Lionel siguió contratando a Betty por dos años y medio más pues su propuesta melódica cautivaba no sólo a la audiencia sino a sus mismos compañeros de oficio.https://www.youtube.com/watch?v=zVCPbydfe2Y

En medio de esta pandemia que atravesamos, la música afortunadamente no ha parado de sonar de manera virtual, llegando a cada uno de nuestros hogares para hacernos más llevadera la cuarentena.

En esta ocasión el tenor italiano Andrea Bocelli cantará sin audiencia, en un concierto especial para el domingo de Pascua.

El intérprete ha anunciado que presentará un concierto especial en línea desde la catedral del Duomo de Milán este domingo de Pascua (12 de abril de 2020).

Titulado “Music for Hope”, el concierto de Bocelli se realizará sin audiencia, y no habrá acceso para el público, y en su lugar se transmitirá globalmente a través del canal de YouTube de Bocelli, bajo las medidas de distanciamiento social en todo el mundo para detener la propagación del coronavirus.

Al cantante se le unirá, a distancia, por supuesto, el organista de la catedral, Emanuele Vianelli, que proporcionará acompañamiento para sus piezas elegidas.

Evidentemente todas estas melodías están seleccionadas para comunicar un mensaje de amor, curación y esperanza a Italia y al resto del mundo durante este momento difícil, las piezas incluirán el popular “Ave Maria de Bach/Gounod” y el “Sancta María de Mascagni”.

Al respecto Bocelli mencionó:

“Creo en la fuerza de rezar juntos, creo en la Pascua cristiana, un símbolo universal de renacimiento que todos, sean creyentes o no, realmente necesitan en este momento.

Gracias a la música, transmitida en vivo, reuniendo a millones de manos juntas en todo el mundo, abrazaremos el corazón palpitante de esta Tierra herida, esta maravillosa fragua internacional que es motivo de orgullo italiano”.

No olvidemos que “La Fundación Andrea Bocelli”, está actualmente recaudando fondos para hospitales, para ayudar con la compra de equipos médicos y de protección necesarios ante la pandemia de coronavirus.

https://www.youtube.com/watch?v=EvdYvANVx38

El 15 de Diciembre de 1972 el director Bernardo Bertolucci, presentó en su ciudad natal el film “El último tango en París”, y el encargado de la parte musical fue el músico “Gato Barbieri”, éste proyecto apuntaló la fama del jazzista latino.

Barbieri comenzó a tocar el clarinete desde los 12 años, cuando escucho a Charlie Parker ejecutar “Now’s The Time”, en esa misma época estudiaba música en Buenos Aires y comenzaba a tocar el saxo alto de manera profesional con la orquesta de “Lalo Schifrin”.

En este periodo el régimen de Juan Perón dominaba Argentina, por lo cual el músico recuerda que no les permitían tocar todo el jazz que la orquesta quería, pues debían añadir algo de música tradicional, por ello en su repertorio incluyeron “tango”, así como el clásico “Carnavalito”.

Al pasar el tiempo Gato tuvo la fortuna de tocar junto a otros grandes de la sincopa como: Coleman Hawkins, Herbie Mann, Dizzy Gillespie y João Gilberto.

A mediados de los sesentas el saxofonista comenzó a entrelazar su estilo con el free jazz bajo la tutela del trompetista Don Cherry, ambos músicos grabaron para “Blue Note” los álbumes “Complete Communion” y “Symphony for Improvisers”, considerados los mejores clásicos de la improvisación.

En esta misma década Gato Barbieri se traslada a Roma en compañía de su primera esposa Michelle, quien era italiana, a pesar de su cambio de país el intérprete siguió colaborando con Cherry.

En 1969 Barbieri era líder de la banda “The Third World”, con la cual contagiaba al público europeo con su habitual sabor latino, pero en definitiva la fama llegaría en este 1972 con la composición del tema “El último Tango en París”.

Karina Elián Salinas

McKinley Howard, mejor conocido como “Kenny Dorham”, proveniente de una familia de músicos empezó a tocar el piano desde los siete años de edad, pero al entrar a la secundaria cambió dicho instrumento por su apreciada trompeta.

Además de su adicción a la música, Howard pasaba gran parte del tiempo de su adolescencia arriba del ring, pues formaba parte del equipo de boxeo de su escuela.

Asistió brevemente al “Wiley College”, en la ciudad de Texas, donde estudió física y química, pero mientras se encontraba en dicha institución practicaba sus habilidades musicales en una banda donde figuraban otros artistas como el trompetista “Wild” Bill Davison, el saxofonista Harold Land y el baterista Roy Porter, y justamente en esta agrupación Howard perfeccionó su destreza de organización y composición.

En 1946 después de su paso por la banda de “Frank Humphries”, el intérprete consiguió sus primeros grandes conciertos, pues se uniría a la sección de trompetas en la banda original del gran Dizzy Gillespie.

Dos años después Kenny estudió composición en la “Gotham School of Music”, y en Diciembre del 48 Miles Davis lo recomendó como su remplazo en el quinteto de “Charlie Parker”.

Siendo un mes de festividades, su primera aparición acompañando a Parker sería en la víspera de Navidad en el “Royal Roost” en Manhattan, junto al pianista Al Haig, el bajista Tommy Potter y Max Roach en la batería.

Después de participar con diferentes músicos, el 15 de Diciembre del 53 surgió el disco debut  “Kenny Dorham Quartet”, como líder de su propia agrupación.

Y en 1955 bajo el sello “Blue Note”, grabaría el álbum “Afro-Cuban”, el cual se ha descrito como su mejor trabajo melódico, mezclando sus composiciones con la versatilidad de la música latina.

Conozcamos el tema “Afrodisia”, precisamente de éste álbum icónico en la carrera del trompetista Kenny Dorham…

A inicios del mes pasado, la leyenda del jazz “McCoy Tyner”, falleció a los 81 años de edad.

Por ello recordemos un poco sobre uno de sus más emblemáticos proyectos en donde rendía un entrañable tributo al gran “John Coltrane”.

El 11 de Noviembre de 1972 el músico decidió plasmar en el disco “Echoes of a Friend”, cinco piezas que incluían: “Naima”, “Promise” y “My Favorite Things”, por supuesto clásicas de Coltrane.

Pero además el jazzista agregó dos piezas más de su propio repertorio: “The Discovery” y “Folks”, donde se refleja el crecimiento musical de McCoy desde 1965 cuando abandonó la agrupación de John Coltrane, para seguir su rumbo como compositor y director de orquesta.

Entre sus principales proyectos como solista se enmarca el disco “The Real McCoy”, editado en 1967, en el cual estuvo acompañado por el saxofonista Joe Henderson, el bajista Ron Carter y Elvin Jones.

En éste mismo 1972, además del homenaje al saxofonista, grabaría dos títulos más: “Song for my Lady”, y “Sahara”, álbum con el cual fue nominado al Grammy, y con el que también se abrieron nuevos caminos para los sonidos africanos.

McCoy Tyner publicó a lo largo de su carrera cerca de 80 álbumes, además ha ganado cuatro premios Grammy, y fue galardonado en el 2002 como “Jazz Master from the National Endowment for the Arts”.

Sin duda la huella del músico seguirá penetrando en el mundo sincopado, sin dejar de lado la humildad y espiritualidad del intérprete plasmados en cada uno de sus proyectos.

Escuchemos una de esas piezas homenaje, a cargo del magistral piano del inolvidable McCoy Tyner.

http://www.youtube.com/watch?v=XKib8EXXbD4

En estos días de cuarentena y de estar inmersos en la información que gira en torno al Covid-19, ¿Qué tan refrescante resultaría remontarnos a esa lejana o cercana infancia para aplaudir o bailar tal y como lo hicimos en nuestro primer festival del colegio, o tal vez el cantar aquella melodía que acompañaba a nuestra caricatura favorita?

Precisamente esas sensaciones las encontramos guardadas en el álbum titulado “Jazz for Kids: Sing, Clap, Wiggle and Shake”, editado hace tres años, justo en el momento en el que se debatía el futuro del jazz ya que tanto en listas como en foros especializados, se mencionaba que la mayoría de intérpretes del género son de edad madura, por lo que se cuestionaban que pasaría con el jazz cuando esas personas desaparecieran sino se atraían  a los niños a él.

Por tal motivo “Verve Records”, arriesgó por sacar de sus archivos un puñado de clásicas piezas sincopadas frescas, alegres y rítmicas que se identificaran con el público infantil, nada más divertido que hacer coincidir una sola fecha en tres vertientes; 30 de Abril Día Internacional del Jazz, Día del Niño y día de descanso…aaaahhh.

El disco está integrado por once melodías con una duración de tan solo 28 minutos ya que se indicaba era el tiempo justo para no abrumar la atención de los pequeñines, entre las joyas que podemos escuchar, se tropezaran con un “Old McDonald” tarara… (Cantada), a cargo de “Ella Fitzgerald”.

Conoceremos la historia del dueño de una tienda que nos vende un tomate pasado de moda, una papa de Long Island, pero advirtiendo una y otra vez que “hoy, no hay bananas”, con el tema “Yes,  We have no bananas” a cargo de “Louis Prima” y su orquesta.

“Oscar Peterson”, “Blossom Dearie”, y “Carmen McRae”, entre otros intérpretes, serán reconocidos por los pequeños jazzeros, dejando el cierre del álbum a cargo de “Louis Armstrong” con el clásico “What a wonderful world”.

Es cierto que la incógnita sobre el futuro del jazz en las nuevas generaciones sigue persistiendo, pero es evidente que mientras exista la preocupación por mantener los legados a las nuevas generaciones, estos temas con un “toque de inocencia” se adherirán de manera sencilla en el mundo fantástico de los pequeños.

Y ya que estamos en estos días de resguardo, podríamos hacer el esfuerzo (ayudados por la música) de conectar con “ese pequeño” que vive en nuestro corazón… sin importar la edad, o a ese niño o niña que anda brincoteando en este momento por toda la casa.

La ciudad de Kansas, vería nacer a uno de los mejores guitarristas de jazz, cuyo auge se postraba en estos años ochenta. Así es como el ingenio de Pat Metheny, quien a los doce años decidió cambiar la trompeta por la guitarra, irrumpía en la escena jazzística con una admirable capacidad de improvisación y sensibilidad rítmica, abarcando también al swing y a las notas bluseras.

Su primer álbum “Bright Size Life”, surgió en 1975, donde aplicando nuevas tecnologías a la par de un trabajo constante, logró posicionar con fuerza la magia de su instrumento.

En 1977, el guitarrista decide unir talentos con el tecladista Lyle Mays, para crear “Pat Metheny Group”, años más tarde se unirían al proyecto, el productor Steve Rodby y el baterista Paul Wertico.

Y para este 1983, el álbum “Travels”, hacía su arribo, siendo su primer material en vivo, grabado un año antes durante una gira por ciudades como Filadelfia, Dallas y Sacramento, entre otras.

Este disco contó con la participación del baterista Dan Gottlieb y del percusionista Naná Vasconcelos, quienes uniendo su talento con la agrupación,  obtuvieron el Grammy por Mejor Performance de Jazz Fusión, en este mismo año.