La gira de despedida del legendario grupo de thrash metal comenzó el 10 de mayo de 2018 con la intención de tocar en todos los lugares posibles para facilitar a los fans del mundo poder ver un último show de la banda y poder despedirla como se merece.
Miles de fanáticos de Slayer presenciaron el último concierto de la banda en The Forum en Inglewood, California, el sábado por la noche durante la segunda de las dos últimas fechas de la gira llamada “The Final Campaign”.
Al finalizar el show, el bajista y vocalista Tom Araya se dirigió a la multitud agradeciendo a los fans del grupo por apoyarlo a él y a sus compañeros de banda durante casi cuatro décadas.
“Gracias. Muchas gracias. Quiero agradecerles por compartir su tiempo con nosotros. El tiempo es precioso, así que les agradezco por compartir ese tiempo con nosotros ¡Gracias! ¡Los extrañaré muchachos! Pero lo más importante que quiero agradecerles por ser parte de nuestra vida. ¡Gracias, buenas noches!”.
Aunque Slayer dice que se retirará, el manager de la banda Rick Sales, ha dicho en entrevistas que el final de la gira no significa el final del grupo.
The Wall fue el álbum más ambicioso de una carrera larga e histórica llena de proyectos ambiciosos de Pink Floyd.
Este álbum conceptual de doble duración fue compuesto por el vocalista y bajista Roger Waters y generó una gira igualmente ambiciosa, una película y un legado que quedará para la historia.
Roger Waters acudió al artista Gerald Scarfe al momento de crear todo el aspecto visual, incluidos cada uno de sus personajes. El caricaturista británico fue el encargado que realizó los segmentos animados que acompañaron tanto la gira como el abrumador filme de Alan Parker. Gerald Scarfe habló sobre la idea de usar los martillos representativos de The Wall.
“Los personajes tenían que crearse de inmediato porque tenían que estar listos para salir en la portada del disco apenas estuviese terminado. Era lo principal que había que diseñar y tuve poco tiempo. Todo pasó muy rápido, pero estoy complacido de que hayan permanecido en la mente de la gente”, recuerda Scarfe.
“El mensaje principal de The Wall, la teoría de Roger, es que si tu te aíslas demasiado de los demás entonces te vuelves insensible, algo como una máquina y el peligro de convertirte en una máquina inconsciente es que tú puedes dejar de pensar y te vuelvas un fascista o algo así”.
“Así que yo traté de pensar en el mas incansable y cruel símbolo de eso y así la primera cosa que se me vino a la mente fue el martillo, porque es de metal, rompe cosas, es incansable y puedes continuar pensando muchas mas cosas… entonces lo demás era hacer que marchara porque hace recordar el fascismo, el nazismo y esas cosas, así es que realmente de allí salió, esas herramientas de destrucción sin rostro ni mente solo marchando hacia delante sin descanso”.
La animación de los martillos esta cargada de la mayor simbología de toda la película, ya que los martillos con su simbología de destrucción y poder, marchan como si fueran un ejercito, oprimiendo a las personas que no se quieren doblegar al sistema que instaura Pink.
Canciones como “Another Brick in the Wall”, “Mother”, “Goodbye Blue Sky”, “Hey You”, “Comfortably Numb”, “Run Like Hell”… son los “ladrillos” que nos describen el recorrido emocional de Pink.
En estos últimos meses han sido de ver importantes películas biográficas (Bohemian Rapsody y Rocketman) sin dejar de lado los documentales como: “Mystify: A Musical Journey with Michael Hutchence”, la cual han funcionado, pero si bien recordamos a este emblemático frontman de Blind Melon de nombre Shannon Hoon que fue una de las figuras más importantes y queridas del mundo del rock de los 90’s tendrá un documental que se estrenará en el año 2020. Lo que hacía tan memorable la música de Hoon era que no importaba lo oscuras que sus canciones fuesen, los oyentes siempre se quedaban con un mensaje de esperanza.
Según informa Variety, Double E Pictures y Live Nation Productions se unieron como productores ejecutivos de la película, que fue creada utilizando más de 200 horas del fallecido cantante, contando con videos caseros del escritor Danny Clinch, amigo íntimo de Hoon que codirigió el documental junto a Taryn Gould y Colleen Hennessy.
“Nos dimos cuenta que básicamente teníamos todos estos vídeos de un tipo que se grabó en vídeo obsesivamente durante cinco años desde antes de que fuera famoso hasta el día de su muerte”, dijo Clinch a Variety.
“Fue el comienzo de la tecnología donde la gente comenzó a filmarse entre sí, y él estaba muy por delante de la curva de alguna manera. Es uno de los primeros momentos de alguien que auto-archivaba su propia vida”.
Este documental, que se ha estado realizando durante cuatro años, llevará por título “All I Can Say” y se ha estado mostrando de forma exclusiva en el circuito de festivales, incluso en Tribeca y el Festival Internacional de Cine Documental de Amsterdam.
Es rara la vez escuchar o hablar acerca de un productor musical, pero ¿Cuál es la función de este personaje dentro de un disco o una canción? Su función es llevar al grupo o a “la banda” por la dirección correcta musicalmente hablando, ya sea por medio de entonación, afinación o simplemente técnica. Mientras ellos están en la sala de control, detrás de una consola de audio.
En este especial denominado “Odisea Musical “ rendiremos un merecido tributo a estos creativos de la música y el por qué aparecen como producido por… Dentro de un álbum.
1.-Robert John “Mutt” Lange.
Iniciar con este productor es como una buena introducción a un libro recién abierto y lo digo de esta manera por que hablar de Mutt Lange es hablar de creatividad pura. Produjo a los mejores grupos, como los mejores discos.
AC/DC :
Back in Black
Highway to Hell
For Those About to Rock (We Salute You)
Def Leppard:
High ‘N’ Dry
Pyromenia
Hysteria
Adrenalize
Foreigner: 4
The Cars: Heartbeat City
Bryan Adams:
Waking Up The Neighbours
18 `Til I Die
Shania Twain:
The Woman in Me
Come On Over
Up!
The Corrs: In Blue, 2000
La técnica de Lange para producir era usar efectos en los coros y en la voz principal, también aplicaba efectos en la música y era buen compositor un claro ejemplo las canciones de Shania Twain.
La diferencia de edad era muy notoria entre Mutt Lange y Shania Twain, se decía que ella solamente estaba con el productor, para que su carrera musical fuera un éxito y así fue, tanto que cosechó muchos número 1 en las listas de popularidad.
Robert John “Mutt” Lange ha ganado diversos premios, siempre se ha mantenido fuera de foco público, su último disco en producir fue en 2015.
Hablar de Rick Rubín es hablar de producir música Rock, Nu Metal y Heavy Metal también ha ganado diversos premios. En 2007 MTV lo nombró el productor más importante de los últimos 20 años y la revista Time lo incluyó en la lista de las 100 personas más influyentes del mundo.
Se decía que Rick Rubín podía producir 3 discos a la vez en un año eso sucedió con los Red Hot Chilli Peppers con By The Way, Sistem of a Down con Steal This Album! Y el álbum debut de Audioslave.
Out of Exile – Audioslave
Mezmerize – System of a Down
Hypnotize – System of a Down
12 Songs – Neil Diamond
Fijación oral vol. 1 – Shakira
Oral Fixation vol. 2 – Shakira
Christ Illusion – Slayer
Stadium Arcadium – Red Hot Chili Peppers.
Como último dato el produjo el tema de Run DMC con Aerosmith Walk This Way. Esta producción de 1986 se reconoce como un revitalizador de la carrera de Aerosmith y un experimento exitoso de mezclar rap y rock rap hard rock y llevarlo a los oídos populares.
Pionero de las bandas sonoras y director de orquesta, era un excelente pianista. Se dice que Sir George Martín perfeccionó la manera de tocar el piano a Paul McCartney y este último le enseñó a tocar el piano a John Lennon.
No tenía las más mínima idea acerca de cómo producir música de un grupo de rock como lo eran los Beatles. El decía que tuvo que aprender a la par de los muchachos originarios de Liverpool.
George Martín no vio con buenos ojos la manera de como tocaba la batería Pete Best así que aconsejo a Brian Epstein a cambiar de baterista y así fue como ingreso Ringo Star a los Beatles, esto ocurrió durante la audición para EMI Parlaphone récords. Martin les preguntó a los Beatles si había algo que personalmente no les haya gustado, a lo que George Harrison contestó: “para empezar no me gusta tu corbata”.
La experiencia musical de Martin ayudó a acortar las brechas entre el talento en bruto de los Beatles y el sonido que la banda quería conseguir. La mayoría de los arreglos y la instrumentación orquestal de los Beatles (así como partes de teclado frecuentes en los primeros discos) fueron escritas o realizadas por Martin en colaboración con la banda.
Martin también ha contribuido directa e indirectamente a los principales temas de tres películas de la saga James Bond. Aunque Martin no produjo el tema para la segunda película de Bond, From Russia With Love, él fue el responsable de la firma de Matt Monro con EMI pocos meses antes de la grabación de la canción del mismo título.
También produjo dos de los temas más conocidos de James Bond. El primero fue Goldfinger de Shirley Bassey en 1964. El segundo, en 1973, fue Live And Let Die, de Paul McCartney y Wings, para la película del mismo nombre. También compuso y produjo la banda sonora.
Martin produjo grabaciones para otros artistas, incluso contemporáneos a los Beatles como:
La lista de estos personajes de la industria musical es grande, pero los más importantes son los que hemos presentado en este especial, así que cuando veas un disco, revisa sus créditos y verás quien fue el genio de muchos éxitos para estas agrupaciones.
Hablar de un exBeatle como George Harrison lo primero que se nos viene a la mente es (si eres fanático a los Beatles), su cultura indu, otros el tema My Sweet Lord o simplemente Here Comes the Sun, yo lo recuerdo de una manera más diferente.
Era el año 2001 veía las noticias del canal 4 de televisa, dentro del noticiero hablaban acerca de George Harrison que lo veían en un centro comercial, que lo veían en un evento y jamás se detenía a dar una entrevista al grado de quitar a un camarógrafo de su camino, hasta que un día empezaron a dar noticias acerca de su estado de salud, que se veía muy deteriorado, muy agotado que el cáncer que lo acechaba lo estaba consumiendo.
Llegó el 29 de noviembre del 2001. Como era habitual yo hacía mis deberes de estudiante y escuchaba el noticiero, pero en esa ocasión fue en el canal 2 de televisa, recuerdo perfectamente que cuando inició el noticiero que era con Lolita Ayala el primer avance fue un video de George Harrison (no recuerdo que canción interpretaba), pero decía Lolita Ayala pierde la batalla contra el cáncer el ex Beatle George Harrison, es ahí donde empecé a investigar quien era realmente al que llamaban el Beatle místico o el Beatle callado o tranquilo.
Algunos de los fanáticos de los Beatles se reunían a las afueras de los estudios Abbey Road dejando veladoras y flores en memoria de George Harrison, otros se reunían en Strawberry Fields en Nueva York para recordarlo y rendirle homenaje en el monumento que se le dedico a John Lennon. Si la parte donde dice Imagine.
Pero ni en Londres y Nueva York perdió la vida, la perdió en los Angeles en una casa perteneciente a Paul McCartney.
George Harrison en una entrevista declaró que su enfermedad fue a causa del número de cigarros que consumía al día y que inició este hábito a una temprana edad, en el año de 1999 sufrió un ataque de un enfermo mental que quiso asesinarlo a puñaladas. Fue su esposa Olivia Trinidad Arias que defendió a George Harrison golpeando a este psicótico con una figura de San Miguel arcángel.
Muchos recuerdan a este virtuoso de la guitarra como un grande por la forma de como cantaba sus canciones de una manera melódica y nostálgica, el clásico slide de guitarra que era algo característico de una canción que sabíamos que era de George Harrison.
El sentido del humor de este Beatle era único. Durante la entrega del reconocimiento a los Beatles en 1988 para ser inducidos al Rock and Roll Hall of Fame, el único ausente era Paul McCartney debido a una discusión que tuvo con George Harrison años atrás. Durante el inicio de su discurso dijo: Es una pena que Paul no esté presente ya que siempre tiene un discurso en su bolsillo. En el minuto 1:45 se hace esta referencia.
Era amante de los coches, de las carreras de la Fórmula 1, de la meditación, pero su pasión era la jardinería. Contaba su hijo Dhani que todas las noches salía al jardín de su casa en Friar Park para ver que todas las plantas estuvieran bien acomodadas y si algo no le gustaba a la mañana siguiente hacia los cambios pertinentes hasta que el estuviera satisfecho con su jardín, era algo que siempre hacía y aún era especial cuando había noches con luna llena.
Como padre era excepcional con su único hijo que siempre le decía antes de dormir. ¿Qué tienes que hacer mañana? A lo que su hijo siempre le respondía, “debo de ir a la escuela”, George Harrison le decía, “no vallas, tomemos un velero y demos un paseo por el mar junto con tu madre”. Dhani Harrison se arrepiente de no cumplir la petición de su padre.
Los amigos más cercanos a George Harrison eran Bob Dylan, Tom Petty, Jeff Lyne pero el más importante fue Eric Clapton. Contaba Tom Petty: “un día George fue a mí casa y llevaba un ukulele, en ese momento no sabía qué era hasta que George me lo mostró, terminando la cena empezó a tocar ese extraño instrumento y hasta que aprendí a tocarlo, la noche terminaba y él se disponía a retirarse y hasta que me dijo, ‘te regalaré este ukulele y dejaré otros tres más’, yo le respondí ‘George ya me diste uno’, a lo que abrió el maletero de su coche este estaba lleno de ukuleles y me dijo, ‘más vale que sobren a que falten’…”.
Historias son muchas a cerca de este mítico Beatle. Pero hoy en Odisea Deportiva lo recordamos con este tema.
Hablar de un Beatle es imaginar a John Lennon o Paul McCartney, pero hoy nos enfocaremos a la novena sinfonía de George Harrison. All things Must Pass.
¿Por qué catalogado como el mejor álbum de un Beatle en solitario?
Eran 3 LP’s, 2 con canciones en la autoría de Harrison (con coautorías de Bob Dylan), y el tercero al que se le denominó Apple Jam que básicamente eran improvisaciones musicales con músicos de la talla de: Eric Clapton, Klaus Voormann, Gary Wright, Gary Brooker, Ringo Star y Ginger Baker.
Producido por Phil Spector y George Harrison hicieron que este triple álbum fuera un éxito comercial con My Sweet Lord.
En una anécdota Phil Spector contaba. George tenía una infinidad de canciones que jamás había escuchado. Él se acababa de mudar a su nueva casa en Friar Park y fui a verlo. Después de comer me dijo; “Quiero que escuches esto que escribí” y seguía tocando más canciones y cada vez eran mejor que la anterior. Seguramente se las tocaba a su entonces esposa Pattie Boyd. Así que lo incité a que grabará el disco ya que en ese momento McCartney grababa RAM y Lennon grababa Imagine.
Harrison dudaba de su capacidad para componer, así que algunas de sus mejores canciones fueron publicadas dentro de The Beatles.
Este triple álbum destapó las esencias compositivas de George Harrison, siempre a la sombra de los genios Lennon y McCartney, sorprendiendo a la crítica y al público por su capacidad para crear temas de naturaleza introspectiva en donde hay amor, la mística o la espiritualidad, características de su humilde personalidad.
Gran parte del álbum son piezas compuestas en su etapa con The Beatles mientras grababan Let it Be y Abbey Road. Puedes escuchar el álbum Antologhy 3 de The Beatles y encontrarás All Things Must Pass con su característica voz sensible que envuelve unas bellas melodías.
Volviendo al punto de inicio. ¿Por que la novena sinfonía?
Por que es la mejor obra de George en solitario y una de las mejores de un Beatle, por no decir la mejor.
All Things Must Pass (Todas las cosas pasan), pero la música de Harrison, ejemplificada en este enorme trabajo que contiene obras de la talla de:
“Isn’t a Pity”. Un tema con una duración de 7:10 minutos. La clásica voz melancólica de George, un slide de guitarra muy marcado y unos coros con un parecido a Hey Jude.
“I’d Have You Anytime”. Tema que abre la cara A o el disco 1. Inicia bien, un poco melosa la melodia es un tema compuesto por Bob Dylan y George Harrison.
“I Dig Love”. El característico sonido de batería de Ringo Starr no podía faltar.
“My Sweet Lord”. El éxito llegaría con este tema, pero años más tarde el grupo The Chiffons demandaría a Harrison por plagio ya que tenía similitud a la melodía de He’s so fine.
“Beware Of Darkness”. Toques de guitarra slide que algunos biógrafos mencionaban que esa era su marca del zorro.
“What Life Is”. El característico sonido de eco o reverb de Phil Spector, donde se incluían metales y un escondido sonido de slide, la clásica firma de George Harrison.
“Art of Dying”. Fue compuesto entre 1966 y 1967 cuando Harrison se sumergió por primera vez en el hinduismo y trata sobre la reencarnación. Cuenta con un arreglo cercano al hard rock por el sólo de guitarra de George Harrison.
Muchos temas, muchos arreglos y una excelente producción para el año que fue publicado. Es mi recomendación en este 29 de noviembre recordando a un grande que permanecerá para siempre.
Muy famoso tema que salió el 7 de septiembre de 1979, pero ¿Porqué usar como encabezado el título de una canción? La respuesta es muy sencilla. Gracias a esta canción y su video musical que fue dirigido por Russell Mulcahy, es famoso por ser el primer vídeo emitido por la cadena estadounidense MTV el 1 de agosto de 1981.
El motivo para la elección parece bastante claro. Tanto la letra de la canción como las imágenes del vídeo, con radios explotando, hacen referencia a una vieja estrella de la radio que ve cómo sus días de gloria acaban debido a la proliferación del vídeo.
Y así fue el crecimiento del emporio de MTV. En la década de los 90´s crecimos viendo videos, pero nunca veíamos la parte inferior izquierda, cuando iniciaba un video o al finalizar el mismo y digo hasta abajo. Porque si veíamos quien era el artista y que canción era.
Pero jamás veíamos quien dirigía los videos o (tal vez, sí), recordemos algunos durante esa época dorada de MTV. Samuel Bayer (Nirvana Smells like Teen Spirit, Lenny Kravitz Dig In), Wayne Isham (Metallica Enter Sandman, Bon Jovi Livin on a Prayer), Spike Jonze (Beastie Boys con Sabotage), no podían faltar los videos animados con Todd McFarlan (Korn con Freak on a Leash), la pareja perfecta para los videos musicales Jonathan Dayton y Valerie Farris (Red Hot Chilli Peppers, Korn), y hasta los más raros y extravagantes hechos por Michel Gondry. Algunos de ellos ya transformados en directores de cine, pero sus inicios eran los videos musicales.
Pero en esta ocasión hablaremos de este fotógrafo y director Antón Corbijn. Ha dirigido videos importantes para U2, Depeche Mode y Nirvana.
La forma de sus fotografías por lo regular son en blanco y negro, haciendo un toque más natural es algo que ha marcado mucho dentro del género del Rock.
Anton Corbijn nació en 1955 en Strijen, Holanda, en el seno de una familia religiosa, de padre pastor protestante apasionado de la fotografía y su madre era enfermera. De carácter tímido, se inicia como fotógrafo musical. Con 17 años toma prestada la cámara de su padre y se lanza a retratar a aquella banda que el llegara admirar. Esas fotografías terminan siendo publicadas lo que anima al joven Anton a comenzar su carrera como fotógrafo musical.
En 1979, se muda a Londres, donde comienza a trabajar con las nuevas bandas de rock, donde comenzaba el movimiento punk. Es en esta época cuando Corbijn conoce a Magazine, Public Image Ltd y Joy Division. Pero es precisamente con estos últimos, con los que establecerá una especial relación de amistad y en especial con su legendario cantante Ian Curtis. Durante este periodo, comenzaría su trabajo como fotógrafo para las importantes revistas New Musical Express, Vogue o Rolling Stone. Es a través de su trabajo con la revista New Musical Express, tras un encargo para retratar a una joven banda irlandesa, durante un concierto en Nueva Orleans en 1982, cuando Corbijn, conoce a otra de las bandas de rock con las que comenzaría una de las relaciones fotógrafo-grupo más duradero de la historia, su nombre U2. Cinco años después se consagra como un icono del rock de los 80, con la portada del álbum The Joshua Tree
Al final de la década de los 80 ya consagrado como uno de los mejores fotógrafos, comienza a trabajar con bandas y músicos de talla internacional como Depeche Mode, Metallica, Red Hot Chilli Peppers, David Bowie, Iggy Pop y dentro del mundo del cine como Martin Scorsese, Robert de Niro, Clint Eastwood. Aunque Corbijn confiesa que “el mundo del glamour” no es lo suyo. Decía en entrevistas que “siempre ha intentado ver la belleza interior de las personas”. La belleza exterior a menudo lo confundía y durante mucho tiempo no estaba cómodo cuando encontraba la imagen perfecta a su alrededor.
Sus fotografías son reconocidas por su estilo elegante y de excelente composición. La mayoría de ellas son en blanco y negro, aunque también buena parte de ellas tienen un tinte color sepia o una tonalidad azul, similar al de un fotograma que ha sido expuesto al sol durante horas. Pero sin duda lo más característico de su obra es el grano, el cual reinventa en sus fotografías introduciendo el ruido en ellas. En ocasiones se le ha preguntado el porqué del uso de este recurso fotográfico, a lo que el propio Corbijn responde diciendo que “el grano es la vida”. Es a través de esta técnica, como se evidencian sus influencias más personales.
¿Cómo consigue que todas estas estrellas de nivel internacional posen para él, conscientes de que no va a contribuir a reforzar su glamour?
Él responde “porque conocen cuál es mi naturaleza, no tengo a nadie en un pedestal y mis propias inseguridades empapan mis trabajos. Mis fotos, videos, películas nacen de mi personalidad y eso precisamente es lo que las hace diferentes a las de otros”.
A finales de los 80, Corbijn decide dirigir vídeos musicales, actividad que según el propio fotógrafo “es lo que más ha influido en la fotografía” ya que “antes estaba más relacionado con un estilo documental, pero con los vídeos musicales tienes que planear las cosas con mucha antelación, igual que con las películas. Y así empiezas a probar nuevas ideas y a usar vestuario o maquillaje” Así que este método de trabajo también empezó a introducirse poco a poco en mis fotos”. Corbijn ha sido el director de videos tan afamados como: Heart Shaped Box de Nirvana, Atmosphere de Joy Division, Electrical Storm de U2, Strange Love de Depeche Mode, videos que son auténticas iconografías dentro de la cultura del rock y del arte de la fotografía.
También ha hecho cine con películas como Control (2007), El ocaso de un asesino (2010), El hombre más buscado (2014) y Life: la vida de James Dean (2015).
“Recibí el apoyo de James Hetfield cuando me diagnosticaron cáncer”, Dave Mustaine
A pesar de años complicados y estar en el grupo de heavy metal del momento, una despedida de la banda muy inusual gracias a su adicción al alcohol. Tiempo después hubo disputas entre sus icónicas bandas, Dave Mustaine de Megadeth y James Hetfield de Metallica se reconectaron recientemente después de que el primero revelara públicamente su diagnóstico de cáncer.
“Recibí mucho apoyo de personas que no conocía, pero que no sabía que le importaba”, comentó Mustaine a Rolling Stone.
“En particular, recibí un mensaje de texto de mi hermano mayor, James Hetfield y estaba muy, muy bien. Feliz de saber de él. Al contrario de lo que cualquiera dice y en contra de cualquiera de los actos que realizamos, amo a James y sé que James me ama y se preocupa por mí. Puedes ver eso cuando llega el momento de la verdad y le digo al mundo que tengo una enfermedad que amenaza la vida. ¿Quién viene a pararse a mi lado? Solamente James.”
En 1999 fue un año donde salieron muchos discos importantes dentro de la década de los 90. Mencionando algunos como Blur – 13, Blink 182 – Enema of the State, Eminem – The Slim Shady y Surrender que fue el tercer álbum de The Chemical Brothers que cumple 20 años.
Surrender es un trabajo que podemos catalogar como muy bueno. Este disco es ideal para el público de oído entrenado en la electrónica, pero también para la gente con gustos diferentes. En este trabajo el dúo fue capaz de hacer llegar su sonido electrónico a un publico masivo, a pesar de diversos matices a lo largo del disco. Surrender no abandona ese sello tan personal que The Chemical Brothers le da a cada una de sus producciones.
Para este tercer trabajo, Ed y Tom decidieron cambiar el Big Beat de sus trabajos anteriores (Exit Planet Dust de 1995 y Dig Your Own Hole de 1997) y se adaptaron a la vertiente del sonido house de finales de los 90. Aunque Surrender por momentos tiene el toque oscuro y denso característico de The Chemical Brothers, las colaboraciones con famosos músicos de la época como Noel Gallagher, Hope Sandoval de Mazzy Star, Bernard Summer de New Order y Jonthan Donahue de Mercury Rev como vocalistas invitados, significaron la muestra de su experiencia en clubes nocturnos y su capacidad de adaptarse a los nuevos tiempos.
Gracias a este disco los convirtió en uno de los dúos de música electrónica de mayor repercusión mundial, gracias a temas ya clásicos como “Hey Boy Hey Girl”, “Let Forever Be”, “Music: Response”, “Got Glint?” y “Out of Control”.
Noel Gallagher participó en las voces y co-escribió la canción “Let Forever Be”. El loop de la batería y el efecto de los platillos de esta canción tienen similitud con la canción “Tomorrow Never Knows” de The Beatles. Mientras que Bernard Sumner de New Order colaboró en voz y guitarra de la canción “Out Of Control”.
La portada de Surrender pertenece al “Great British Music Festival”, un festival de rock celebrado en Londres a finales de 1975 y principios de 1976 en el Olympia Grand Hall.
“No sé si los use, la gente que los usa siempre va detrás de mi”, dice Lorena Ramírez la corredora rarámuri al referirse a unos tenis de la marca “Salomon” con un costo aproximado de 3 mil pesos, que le regalaron.
Imagen tomada del documental “Lorena, la de pies ligeros”.
No, Lorena no necesita tenis para llegar en primer lugar en los maratones, tampoco necesita entrenar en las mañanas o por las tardes en short y playera, mientras escucha una playlist en su teléfono inteligente.
María Lorena Ramírez Hernández de 24 años de edad rompe todos los estereotipos, nos enseña que conseguir una meta es cosa diaria y un estilo de vida que no se presume, se práctica.
Acepta tomarse “selfies” con sus seguidores por reflejo, pero es seria, siempre seria, sonríe sólo cuando está con sus cercanos (su hermano por ejemplo) o cuando casi ha logrado llegar a la meta, sonríe más cuando corre en la sierra tarahumara y el viento le mueve el cabello y ella es libre y hace lo que más le gusta, correr.
Es una niña, el sol ha manchado su piel, pero sus ojos tienen una mirada inocente que refleja cómo el correr le llena la vida.
Es curioso cómo alguien le regala unos tenis a la atleta que ha alargado la vida de sus sandalias cumpliendo la meta de kilómetros en carreras realizadas, huaraches que han recorrido más de 500 kilómetros protegiendo sus pies.
Aprendió a correr en huaraches, es como ella corre, con huaraches y su falda, porque aunque use short de bajo, no se imagina sin su falda que ella misma confecciona.
Tampoco se imagina cómo sería vivir en otra tierra que no sea el lugar donde aprendió a correr, es lo que comparte en el documental de Netflix “Lorena, la de pies ligeros”, que además de regalarnos unas imágenes impresionantes de la sierra, nos da una idea de lo qué es la vida de la joven Lorena.
Lorena correrá este domingo 1 de diciembre otro maratón de 42 kilómetros, esta vez en Sonora. Su hermano que es quien le traduce al español lo que ella expresa, grabó un video para las redes sociales donde la corredora invita a participar en la competencia.
Ver a Lorena causa admiración, escucharla y observarla a través de un documental nos pone en perspectiva que la vida es de esfuerzos si se quiere alcanzar metas, siempre dar un poco más:
“Siempre me esfuerzo para llegar a la meta, no es ningún juego. Me digo a mi misma ‘ya casi, no falta mucho para llegar a la meta’…”, dice Lorena refiriéndose a lo que piensa mientras corre.
Y entre sus pensamientos, cuando está concentrada por llegar a la meta, es curioso ver a los fotógrafos y camarógrafos queriendo alcanzarla, aún cuando se sabe que se trata de una ultramaratonista única, posiblemente inalcanzable, porque como ella lo dice “todos van detrás de ella”.
Sus glorias
2do lugar Ultramaratón “Caballo Blanco” Chihuahua 100 km en 2016
1er lugar Ultramaratón “Cerro Rojo” Tlatlauquitepec 50 km en 2017
1er lugar Ultramaratón “De los Cañones” Chihuahua 100 km en 2017
2do lugar Ultramaratón “De los Cañones” Chihuahua 100 km en 2018
3er lugar Ultramaratón “Tenerife Bluetrail” España 102km en 2018
Próxima competencia Video de la fanpage del gran maratón de Hermosillo
Próximo domingo 1 de diciembre del 2019
correrá 42km
En Hermosillo Sonora
Actualmente Netflix tiene un documental que aborda su perspectiva como corredora “Lorena, la de pies ligeros”.
