En 1974 los sonidos jazzeros se posicionaban en latitudes
rusas. Todo esto sucedería en el penúltimo mes de este año por el que nos
desplazamos. Y es así como el 17 de Noviembre de 1974 se daba a conocer el
álbum del pianista Oscar Peterson, titulado categóricamente “OSCAR PETERSON IN RUSSIA”, conformado
por dos LPS grabados en directo durante el recital que realizó el músico en
dichas tierras soviéticas.
En esta presentación, Oscar hace uso de sus habilidades con
cinco temas ejecutados en solitario, en cuatro temas más se hace acompañar por
el bajista Niels-Henning Ørsted Pedersen , y añade al baterista Jake Hanna en
los nueve temas restantes que componen al álbum en vivo.
La lista que conforma a dicho álbum está compuesta por estándares conocidos, resaltando tres piezas originales de Peterson, pero en general el sonido de este álbum fue catalogado por los conocedores como muy suave, pues el uso de baladas sensibles es una constante en dicho proyecto, sin dejar de lado ese toque tan detallado en el pentagrama por parte del pianista.
Los mejores documentales musicales para esta cuarentena Desafortunadamente estamos atravesando por una pandemia y eso nos obliga a permanecer en nuestros hogares, algunos hacen home office y otros simplemente no desean exponerse ante esta situación. Hoy en este viernes que te quiero viernes te traemos los mejores documentales y así pasar el tiempo de una manera entretenida y claro… Conocer más de los artistas de nuestro interés. Sin más preámbulos iniciemos. Daft Punk Unchained: El documental aborda cómo se gestó el fenómeno “dance” generado por los franceses Daft Punk a lo largo de estas dos últimas décadas. Aliñado con entrevistas concedidas a admiradores y amigos del calibre de Pharrell Williams, Giorgio Moroder, Nile Rodgers, Kanye West o Michel Gondry, el film de Hervé Martin-Delpierre también ahonda en la perspectiva creativa y la ambición acuñadas por Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo desde sus inicios.
https://vimeo.com/213499376
Leonard Cohen: I’m Your Man: Es un especial reportaje estrenado en 2006 que disecciona obra y legado de Leonard Cohen a partir de un show homenaje “Come So Far For Beauty” – al cantautor que Nick Cave, Jarvis Cocker, Beth Orton, Rufus Wainwright, Martha Wainwright, Antony y dos coristas de Cohen (Perla Batalla, Julie Christensen) ofrecieron en enero de 2005 en la Opera House de Sidney (Australia).
Still III: 25 Years Of The Beastie Boys Ill Communication: Una producción de tinte documental en el que Michael «Mike D» Diamond y Adam «Ad-Rock» Horovitz ahondan en la concepción de aquel álbum que editaron en 1994. De 15 minutos de duración, el reportaje profundiza lo vivido por Beastie Boys tras el lanzamiento de «Paul’s Boutique», llegando a capturar aquel punto de inflexión que la formación vivió en términos comerciales entre la publicación de «Check Your Head» y el propio «Ill Communication».
https://youtu.be/pp_2E2K9_L4
Kid A de Radiohead: El documental muestra una serie de entrevistas concedidas por Thom Yorke y Phil Selway con el fin de detallar al gran público el proceso de concreción del sucesor de «Ok Computer». El film, de 46 minutos de duración, también presenta grabaciones inéditas de estudio e interpretaciones en vivo captadas para la BBC.
Understanding Josh Homme: Repasa la trayectoria del Palm Desert, detallando de forma minuciosa el habitual método compositivo del que fue uno de los pilares de Kyuss, conjunto considerado como un grupo de culto dentro del panorama stoner rock internacional. A su vez el vídeo también incide en proyectos paralelos, y en algunas de las influencias que han llevado a Homme a ser el que es hoy.
The Art Of Protest: Es una producción que repasa nacimiento, evolución y (temporal) extinción de una de las bandas más relacionadas con el activismo de las tres últimas décadas. Ni el trío, ni Zack De La Rocha participan en el film, pero sí que aportan su granito de arena ilustres figuras del sector como el productor de su álbum debut (Garth Richardson), la persona que consiguió que firmasen con una «major» (Michael Goldstone) o uno de los mitos de la canción protesta (Jerry Silverman). Entre otros asuntos, se habla sin tapujos sobre la conocida tensión existente en finales de los noventa / principios del año 2000 entre las dos cabezas pensantes del conjunto: Tom Morello y De La Rocha.
David Bowie, cinco años: Centrado en analizar los grandes puntos de inflexión determinados en la carrera de Bowie. Desde la creación de Ziggy Stardust en 1971, pasando por la publicación de ‘Fame’ (1975) co-escrita con John Lennon y llegando hasta la concepción del disco «Let’s Dance» con el que tocó techo en términos comerciales (1983). Dirigido por Francis Whately, este film de la BBC estrenado en 2013 cuenta con apariciones estelares de grandes figuras del sector como Brian Eno, Tony Visconti, Nile Rodgers o Carlos Alomar, entre otros.
Excelentes documentales, esperemos que sean de tu agrado y así sobrellevar esta cuarentena. Llegamos así a la parte final. Yo soy Alex y solo me queda decirte pórtate bien y cuídate bien. Quédate con la mejor información de Tenis tenis, que tengas un excelente fin de semana.
El 8 de Febrero del 2013, el saxofonista Chris Potter
presentaba bajo el sello ECM, el álbum “The Sirens”, siendo su primer material
como líder, un logro significativo para el artista después de dos décadas de
carrera. Para el artista fue importante este salto, mucho más en lo referente a
la disquera que lo firmaba, pues anteriormente con las casas con las que
trabajó, no sentía que fuera tanto el respeto por el género como el de ECM
según la experiencia del propio Potter.
Dentro de su carrera melódica, existen nombres que lo
ayudaron a posicionarse dentro de la sincopa, como el de Dave Holland y Paul
Motian, a quienes acompañó en más de una ocasión dentro de sus proyectos, y por
supuesto de los cuales aprendió bastante desde 1994 cuando inició a darse a
conocer en la industria.
Pero en este 2013, el músico decidió dar un brinco más allá y
componer sus propias canciones, lejos de los clásicos estándares que hasta
entonces había presentado en sus anteriores materiales.
El disco fue compuesto en sólo dos semanas, para lo cual
Potter se inspiró en el clásico literario “La Odisea”, de Homero. Dando un
toque épico y hasta cierto punto místico a sus melodías, según la crítica
especializada.
La parte instrumental corrió a cargo de tres músicos, el
pianista Craig Taborn, el bajista Larry Grenadier y el baterista Eric Harland,
además de agregar en ciertas piezas a otro pianista, el músico David Virelles,
pues según los críticos especializados, mientras Taborn hace grandes
aportaciones a las piezas con sus “solos”, Virelles agrega color y atmósfera a
las canciones, reflejado en la pieza “The Shades”, donde ambos hacen notar su
talento en el instrumento del blanco y negro.
Como la historia de los musicales nos ha enseñado, desde CATS
hasta CABARET, no hay mayor auge para el jazz como el escenario de Broadway.
Específicamente hablando de una de sus más grandes musas, el 12 de Marzo de
1946 nacía en Los Ángeles, California la cantante Liza Minelli.
Como la mayoría sabemos, Liza es la hija del segundo
matrimonio de la también famosa Judy Garland y el cineasta Vincent Minnelli.
LIZA MINELLI HERMOSA ACTRIZ, CANTANTE, MUY COMPLETA
Desde los tres años, Liza tuvo su primera oportunidad en los
escenarios, para participar en la pantalla grande en la parte final de la cinta
“In The Good Old Summertime”, de 1949, la cual era protagonizada por su madre y
el actor Van Johnson.
Al cumplir sus 16 años, los cimientos de Minelli dentro del
teatro musical de empezarían a edificar, concretamente en el musical “Best Foot
Forward”. Después de un año sería la acompañante oficial de su madre en el
prestigioso recinto “London Paladium”.
Tras varios años de lucha constante en el escenario, Liza
logró su primera nominación al Óscar, en 1969 por su participación en el film
“The Sterile Cuckoo”, tres años más tarde obtendría la victoria, pues no sólo
estaría nominada, sino que se llevaría la tan anhelada estatuilla dorada y la
ovación de pie, por su papel de “Sally Bowles”, en la reconocida cinta CABARET.
Además de ser feliz por llevarse el óscar en 1973, la
intérprete siempre ha sido reconocida por su potente voz, característica que
heredó de su madre, y que ha demostrado en canciones como “Cabaret” y
“New York, New York”, el famoso tema que da nombre al film, aunque la
versión original de la canción haya sido interpretada por Liza, fue de la mano
de Frank Sinatra que el tema llegó a la fama y por ende al reconocimiento
público.
La lista de colaboraciones a lo largo de la carrera de Liza
es interminable, pero dentro de ellas hay una en específico que recordamos con
doble entusiasmo, en la cual ella misma hace reconocimiento a otra de las
grandes voces de este universo melódico, nos referimos al concierto de 1992 en
tributo a Freddy Mercury, con la famosa “We are The Champions”, acompañada
precisamente de QUEEN.
Cerrar ciclos siempre ha sido complicado, pero en ocasiones
se vuelve más que necesario y es cuando la realidad toca la puerta y sólo resta
decir: ¡ADIÓS!
En el terreno de la música recordaremos una icónica despedida
que se llevaba a cabo unas cuantas décadas atrás. El 10 de Abril de 1970 siendo
precisos, la legendaria banda “The
Beatles”, anunciaba su separación, teniendo como portavoz a Paul McCartney.
Dicha desintegración, culminó definitivamente el 31 de
Diciembre del mismo año, como siempre las hipótesis sobre las razones de la
banda sobre esta decisión aún siguen sin dar hechos concretos, pero dentro de
las más sonadas a través de la historia musical siempre hemos escuchado que:
Su disquera tenía problemas financieros, también que era
evidente una falta de motivación por parte del cuarteto por mantener el grupo
ya que cada uno deseaba iniciar sus carreras en solitario y la más sonada de
todas, la influencia por parte de Yoko Ono sobre su pareja John Lennon para que
él decidiera abandonarlos, siendo tachada por años como “la culpable”, de esta
separación.
Diecisiete años
después, la misma Yoko declaró al periodista Joe Smith que: “el responsable fue Paul pues tanto John como Ringo y George querían
dejar el grupo, porque sentían que se estaban convirtiendo en la banda de
McCartney”
Dos años después de
esta declaración, el mismo Paul aseguró a una revista especializada que Yoko
Ono no tuvo nada que ver en la decisión de Lennon, aseverando que:
“Ella ciertamente no rompió el grupo. No creo que puedas
culparla a ella de nada. Cuando apareció Yoko, parte de su atractivo fue su
parte más vanguardista, su visión de los cosas. Ella le enseñó una forma
diferente de ser, que le resultaba muy atractiva. Por eso, era el momento de
John para irse”.
En este mismo año saldría “Let It be”, su último álbum
grabado en estudio. A pesar del tiempo transcurrido las teorías aún flotan en
el aire, pero indudablemente este hecho musical daría inicio a la beatlemanía
para la posteridad, así como el comienzo de las carreras en solitario de los
integrantes del inmortal cuarteto de Liverpool.
La ciudad de Kansas, vería nacer a uno de los mejores
guitarristas de jazz, cuyo auge se postraba en estos años ochenta. Así es como
el ingenio de Pat Metheny, quien a los doce años decidió cambiar la trompeta
por la guitarra, irrumpía en la escena jazzística con una admirable capacidad
de improvisación y sensibilidad rítmica, abarcando también al swing y a las
notas bluseras.
Su primer álbum “Bright Size Life”, surgió en 1975, donde
aplicando nuevas tecnologías a la par de un trabajo constante, logró posicionar
con fuerza la magia de su instrumento.
En 1977, el guitarrista decide unir talentos con el
tecladista Lyle Mays, para crear “Pat Metheny Group”, años más tarde se unirían
al proyecto, el productor Steve Rodby y el baterista Paul Wertico.
Y para este 1983, el álbum “Travels”, hacía su arribo, siendo
su primer material en vivo, grabado un año antes durante una gira por ciudades
como Filadelfia, Dallas y Sacramento, entre otras.
Este disco contó con la participación del baterista Dan
Gottlieb y del percusionista Naná Vasconcelos, quienes uniendo su talento con
la agrupación, obtuvieron el Grammy por
Mejor Performance de Jazz Fusión, en este mismo año.
La cadena de tiendas de cafetería, decidió no subvencionar a la organización benéfica del suizo, al menos por este año.
A pesar de que la Fundación Roger Federer recibió una Beca Origin de la Fundación Starbucks en 2019, la organización benéfica de la marca de café no ha incluido la asociación del Maestro suizo entre los destinatarios de sus apoyos económicos, del ejercicio 2020.
La iniciativa filantrópica de Starbucks comenzó en 2018, en el Día Internacional de la Mujer. Las subvenciones se ofrecen para lograr el objetivo de empoderar a 250,000 mujeres y niñas en las comunidades de origen para 2025.
“La estrategia de varios años de la Fundación Starbucks promoverá oportunidades de liderazgo y empoderamiento económico para mujeres y familias en comunidades productoras de café, té y cacao”, afirma Starbucks .com.
La campaña de la compañía de café no tardó mucho antes de obtener resultados. Según Starbucks, sus esfuerzos ya han marcado la diferencia en la vida de más de 66,000 mujeres a través de programas relacionados con el liderazgo de las mujeres, el acceso a financiamiento y hogares saludables en comunidades productoras de café y té en África, Asia y América Latina.
por Ethical Marketing News. Las fundaciones que se otorgaron en la selección de este año fueron: Days for Girls, Girl Rising, Grounds for Health, ICAFE, Malala Fund, Mercy Corps y Village Enterprise. El total de las subvenciones ofrecidas en 2019 y 2020 asciende a $ 5 millones.
Sin embargo, la Fundación Roger Federer está involucrada en muchos otros proyectos y tiene muchos partidarios alrededor del mundo. De hecho, hace solo un mes recaudó 3,5 millones de dólares para ayudar a los niños africanos desfavorecidos.
“Qué noche inolvidable. Recaudamos más de tres millones y medio de dólares americanos para los niños vulnerables en la región, logramos un récord mundial con más de 51,945 espectadores en un partido de tenis y nos divertimos mucho en la cancha”. Mencionaba Federer.
“Gracias, Rafa por un gran partido, a Bill y Trevor por salir de sus zonas de confort, y sobre todo, gracias, Sudáfrica, y gracias a Ciudad del Cabo, por todo su apoyo y por hacer una diferencia para aquellos que lo necesitan más” dijo Roger Federer después de los partidos de exhibición.
Maria Sharapova envía un mensaje a Italia: “Lo considero mi segundo hogar” Italia se encuentra en una situación grave debido a la pandemia del Coronavirus. El país está luchando por su vida, habiendo sufrido más que todo el mundo. En medio de todo el caos y la lucha, todos están enviando sus mejores deseos a la gente de Italia, mensajes de aliento, incluida la ex-tenista rusa, Maria Sharapova . El daño causado por la enfermedad COVID-19 ha devastado Italia, infectando alrededor de 63,928 personas. Aun más triste es el hecho de que el virus ha cobrado la vida de 6,078 personas en la península italiana. Las señales no son muy optimistas en este momento, con el país perdiendo 602 personas el día de ayer. Sin embargo, el número aún está por debajo del récord de 793 muertes anunciadas el sábado. Maria Sharapova tiene un vínculo muy especial con Italia. Naturalmente, está desconsolada por la terrible experiencia por la que atraviesa el país europeo. La superestrella rusa retirada expresó su amor y pena por la nación italiana. “Conocí Italia cuando era niña y me enamoré de inmediato. Para ser honesta, es muy difícil no enamorarse de ella”. El año pasado, pasé la mayor parte de mi entrenamiento en Italia y lo considero mi segundo hogar. Comí pasta genovesa de la que se debería permitir a cualquiera ” Sharapova también habló, sobre como hizo nuevos amigos mientras estaba allí y cómo conducía por las carreteras del país, a menudo recibiendo “gestos” de taxistas frenéticos debido a sus malas habilidades para conducir.
Ella afirmó que estos buenos recuerdos, la tienen pensando en el futuro cercano cuando pueda regresar y disfrutar del hermoso país una vez más. “Mientras navegamos juntos por tantas incógnitas, hagámoslo con amabilidad, amor y optimismo: todas las hermosas cualidades que Italia ha compartido conmigo”, comento la ex-tenista rusa. Un pensamiento maravilloso de Maria Sharapova que seguramente animará a algunos italianos. También estamos con Sharapova, esperando y deseando lo mejor para Italia y todos sus ciudadanos. Que se recuperen pronto
Una tenista que nació en Long Beach en 1943). Sin duda una de las jugadoras más sobresalientes de todos los tiempos, destacó sobre todo en las pistas de Wimbledon, en las que logró un total de veinte triunfos: seis en individuales, diez en dobles y cuatro en mixtos.
También venció tres veces en el torneo de Forest Hills (las tres en individuales), cuatro en el de Roland Garros (una en individuales) y dos en los internacionales de Australia (una en individuales). Se retiró en 1982. Desde 1995 fue la capitana del equipo estadounidense de la Copa Federación.
Gran dominadora de las canchas durante casi dos décadas, Billie-Jean King acreditó su maestría en todas la modalidades (individual, dobles y dobles mixtos) y fue la primera atleta en superar los 100.000 dólares de ganancias en una temporada. Como destacada fundadora de la Women Tennis Association (WTA), organización paralela a la ATP masculina, tuvo gran ascendencia sobre sus colegas y fue una de las principales luchadoras en pro de la igualdad de honorarios en el tenis femenino, contribuyendo decisivamente a incrementar su popularidad.
Tras cursar sus estudios en Los Ángeles, a los 22 años contrajo matrimonio con Larry King y adoptó el apellido de su marido (su nombre de soltera era Billie-Jean Moffitt), con el que se haría mundialmente famosa. Previamente, a los 18 años, había ya sorprendido a todo el mundo al imponerse en un partido de Wimbledon a la por entonces reina del tenis mundial, Margaret Smith. Fue el preludio de una de las más exitosas trayectorias tenísticas del prestigioso Torneo de Wimbledon, del cual conquistó seis títulos en modalidad individual (1966-1968, 1972, 1973 y 1975), diez en dobles (1961, 1962, 1965, 1967, 1968, 1970-1973 y 1979) y cuatro en dobles mixtos (1967, 1971, 1973 y 1974). En total, veinte triunfos en la pista británica, récord todavía en la actualidad difícil de superar.
También logró numerosas victorias en el Campeonato de Estados Unidos, competición rebautizada en 1968 como Abierto de Estados Unidos tras inaugurarse la “era open”: ganó cuatro títulos individuales (1967, 1971, 1972 y 1974) y cinco de dobles (1964, 1967, 1974, 1978 y 1980). En 1967 se convirtió en la primera mujer, desde que Alice Marble lo consiguiera en 1939, que lograba el triunfo en una misma temporada en los torneos de Wimbledon y Estados Unidos en sus tres modalidades (individuales, dobles y mixtos). En su palmarés también figuran un título individual en el Campeonato de Australia (1968, un año antes de que este torneo se convirtiera en el Abierto de Australia) y en Roland Garros (1972).
Billie-Jean King no dejó de reivindicar en ningún momento la igualdad de trato para las mujeres en el deporte. Con su victoria sobre la antigua estrella masculina Bobby Riggs en 1973, en un partido de exhibición, intentó convencer a la opinión pública de que podían competir en destreza con los hombres.
Ese mismo año colaboró en la formación de la Women Tennis Association (WTA), organismo rector del circuito profesional de tenis femenino. Tras retirarse de las pistas trabajó como entrenadora y como comentarista de televisión. Nombrada capitana del equipo estadounidense de Copa Federación en 1995, condujo a su país a tres victorias en dicha competición (1996, 1999 y 2000). En 1996 fue seleccionadora del equipo de tenis femenino de Estados Unidos que participó en los Juegos Olímpicos de Atlanta.
Quién no recuerda el famoso tema de la icónica cinta “El
Guardaespaldas”, cuyas ventas fueron exponenciales tanto en taquilla como en
las listas representativas para la canción.
Seguramente sabrán que la autora de dicha canción es la
cantante de country Dolly Parton, quien tuvo una infancia difícil pues siendo
la cuarta de doce hermanos, su familia tuvo que luchar contra los problemas económicos
que los aquejaban, ya que vivían en una rústica y destartalada cabaña de una
sola habitación en Great Smocky Mountains, cerca de Locust Ridge.
Los padres de Dolly eran feligreses de la iglesia
“Asamblea de Dios”, y la música era parte de sus vivencias dentro de
la iglesia.
En 1966 contando con tan sólo 20 años, se casó con Carl Dean,
quien trabajaba en el negocio de la pavimentación con asfalto. La pareja se
conoció el primer día que Dolly llegó a Nashville, en 1964 y ambos han
permanecido juntos hasta hoy en día.
Desde pequeña comenzó dentro del mundo musical, pues desde
los 12 años comenzó a cantar en la radio local, además de participar en un
programa de televisión, también de su localidad. Un año después estaría
grabando en un pequeño sello musical y para darse a conocer a través del show
Grand Ole Opry de Nashville.
El primer éxito de Parton fue como compositora, escribiendo
grandes hits para Hank Williams, Jr. y Skeeter Davis.
Llegando a firmar un contrato con el sello Monument Records a
fines de 1965, donde intentaron presentarla como cantante Pop, pero su único
single “Happy, Happy Birthday Baby” no logró el éxito deseado.
Su paso por el pop fue corto, por lo que se enfocó en el
country después de que compusiera “Put It Off Until Tomorrow”,
grabada por Bill Phillips. El tema llegó al sexto lugar en las listas country
en 1966, desde entonces el género sería abrazado por Dolly, hasta la
actualidad.
Con el paso del tiempo, desarrollaría en gran medida sus
dotes como compositora dentro del country, agregando toques de música folclórica,
dada su infancia campirana, dando como resultado sus clásicos “Coat of
Many Colors” y “Jolene”, la cual escuchamos hace un momento.
Después de consolidar estos temas, y de grabar con diversos
intérpretes a dueto, Dolly se retiró por un tiempo sin dejar de lado su ideal
de consolidar su carrera como solista.
En 1974, su famosa canción “I Will Always Love You”
alcanzó el número uno en las listas country.
En esa misma época, Elvis Presley señaló que deseaba hacer un
cover de la canción. Parton se interesó en la idea, pero debería ceder más de
la mitad de los derechos publicitarios si Presley grababa el tema.
Por lo que Dolly se negó, esta decisión le impidió ganar
millones de dólares, pero posicionó el carácter de la cantante, al negarle su
melodía al rey del rock and roll.
El tiempo hizo lo suyo, y trece años después el tema sería el
eje melódico principal de la cinta protagonizada por Whitney Houston y Kevin
Costner, siendo un referente en la industria de los filmes hollywodenses.
