En estos días de cuarentena y de estar inmersos en la información que gira en torno al Covid-19, ¿Qué tan refrescante resultaría remontarnos a esa lejana o cercana infancia para aplaudir o bailar tal y como lo hicimos en nuestro primer festival del colegio, o tal vez el cantar aquella melodía que acompañaba a nuestra caricatura favorita?

Precisamente esas sensaciones las encontramos guardadas en el álbum titulado “Jazz for Kids: Sing, Clap, Wiggle and Shake”, editado hace tres años, justo en el momento en el que se debatía el futuro del jazz ya que tanto en listas como en foros especializados, se mencionaba que la mayoría de intérpretes del género son de edad madura, por lo que se cuestionaban que pasaría con el jazz cuando esas personas desaparecieran sino se atraían  a los niños a él.

Por tal motivo “Verve Records”, arriesgó por sacar de sus archivos un puñado de clásicas piezas sincopadas frescas, alegres y rítmicas que se identificaran con el público infantil, nada más divertido que hacer coincidir una sola fecha en tres vertientes; 30 de Abril Día Internacional del Jazz, Día del Niño y día de descanso…aaaahhh.

El disco está integrado por once melodías con una duración de tan solo 28 minutos ya que se indicaba era el tiempo justo para no abrumar la atención de los pequeñines, entre las joyas que podemos escuchar, se tropezaran con un “Old McDonald” tarara… (Cantada), a cargo de “Ella Fitzgerald”.

Conoceremos la historia del dueño de una tienda que nos vende un tomate pasado de moda, una papa de Long Island, pero advirtiendo una y otra vez que “hoy, no hay bananas”, con el tema “Yes,  We have no bananas” a cargo de “Louis Prima” y su orquesta.

“Oscar Peterson”, “Blossom Dearie”, y “Carmen McRae”, entre otros intérpretes, serán reconocidos por los pequeños jazzeros, dejando el cierre del álbum a cargo de “Louis Armstrong” con el clásico “What a wonderful world”.

Es cierto que la incógnita sobre el futuro del jazz en las nuevas generaciones sigue persistiendo, pero es evidente que mientras exista la preocupación por mantener los legados a las nuevas generaciones, estos temas con un “toque de inocencia” se adherirán de manera sencilla en el mundo fantástico de los pequeños.

Y ya que estamos en estos días de resguardo, podríamos hacer el esfuerzo (ayudados por la música) de conectar con “ese pequeño” que vive en nuestro corazón… sin importar la edad, o a ese niño o niña que anda brincoteando en este momento por toda la casa.

La ciudad de Kansas, vería nacer a uno de los mejores guitarristas de jazz, cuyo auge se postraba en estos años ochenta. Así es como el ingenio de Pat Metheny, quien a los doce años decidió cambiar la trompeta por la guitarra, irrumpía en la escena jazzística con una admirable capacidad de improvisación y sensibilidad rítmica, abarcando también al swing y a las notas bluseras.

Su primer álbum “Bright Size Life”, surgió en 1975, donde aplicando nuevas tecnologías a la par de un trabajo constante, logró posicionar con fuerza la magia de su instrumento.

En 1977, el guitarrista decide unir talentos con el tecladista Lyle Mays, para crear “Pat Metheny Group”, años más tarde se unirían al proyecto, el productor Steve Rodby y el baterista Paul Wertico.

Y para este 1983, el álbum “Travels”, hacía su arribo, siendo su primer material en vivo, grabado un año antes durante una gira por ciudades como Filadelfia, Dallas y Sacramento, entre otras.

Este disco contó con la participación del baterista Dan Gottlieb y del percusionista Naná Vasconcelos, quienes uniendo su talento con la agrupación,  obtuvieron el Grammy por Mejor Performance de Jazz Fusión, en este mismo año.

Cerrar ciclos siempre ha sido complicado, pero en ocasiones se vuelve más que necesario y es cuando la realidad toca la puerta y sólo resta decir: ¡ADIÓS!

En el terreno de la música recordaremos una icónica despedida que se llevaba a cabo unas cuantas décadas atrás. El 10 de Abril de 1970 siendo precisos, la legendaria banda “The Beatles”, anunciaba su separación, teniendo como portavoz a Paul McCartney.

Dicha desintegración, culminó definitivamente el 31 de Diciembre del mismo año, como siempre las hipótesis sobre las razones de la banda sobre esta decisión aún siguen sin dar hechos concretos, pero dentro de las más sonadas a través de la historia musical siempre hemos escuchado que:

Su disquera tenía problemas financieros, también que era evidente una falta de motivación por parte del cuarteto por mantener el grupo ya que cada uno deseaba iniciar sus carreras en solitario y la más sonada de todas, la influencia por parte de Yoko Ono sobre su pareja John Lennon para que él decidiera abandonarlos, siendo tachada por años como “la culpable”, de esta separación.

Diecisiete años después, la misma Yoko declaró al periodista Joe Smith que: “el responsable fue Paul pues tanto John como Ringo y George querían dejar el grupo, porque sentían que se estaban convirtiendo en la banda de McCartney”

Dos años después de esta declaración, el mismo Paul aseguró a una revista especializada que Yoko Ono no tuvo nada que ver en la decisión de Lennon, aseverando que:

“Ella ciertamente no rompió el grupo. No creo que puedas culparla a ella de nada. Cuando apareció Yoko, parte de su atractivo fue su parte más vanguardista, su visión de los cosas. Ella le enseñó una forma diferente de ser, que le resultaba muy atractiva. Por eso, era el momento de John para irse”.

En este mismo año saldría “Let It be”, su último álbum grabado en estudio. A pesar del tiempo transcurrido las teorías aún flotan en el aire, pero indudablemente este hecho musical daría inicio a la beatlemanía para la posteridad, así como el comienzo de las carreras en solitario de los integrantes del inmortal cuarteto de Liverpool.

En 1974 los sonidos jazzeros se posicionaban en latitudes rusas. Todo esto sucedería en el penúltimo mes de este año por el que nos desplazamos. Y es así como el 17 de Noviembre de 1974 se daba a conocer el álbum del pianista Oscar Peterson, titulado categóricamente “OSCAR PETERSON IN RUSSIA”, conformado por dos LPS grabados en directo durante el recital que realizó el músico en dichas tierras soviéticas.

En esta presentación, Oscar hace uso de sus habilidades con cinco temas ejecutados en solitario, en cuatro temas más se hace acompañar por el bajista Niels-Henning Ørsted Pedersen , y añade al baterista Jake Hanna en los nueve temas restantes que componen al álbum en vivo.

La lista que conforma a dicho álbum está compuesta por estándares conocidos, resaltando tres piezas originales de Peterson, pero en general el sonido de este álbum fue catalogado por los conocedores como muy suave, pues el uso de baladas sensibles es una constante en dicho proyecto, sin dejar de lado ese toque tan detallado en el pentagrama por parte del pianista.

Los mejores documentales musicales para esta cuarentena 
Desafortunadamente estamos atravesando por una pandemia y eso nos obliga a permanecer en nuestros hogares, algunos hacen home office y otros simplemente no desean exponerse ante esta situación. Hoy en este viernes que te quiero viernes te traemos los mejores documentales y así pasar el tiempo de una manera entretenida y claro… Conocer más de los artistas de nuestro interés. 
Sin más preámbulos iniciemos. 
Daft Punk Unchained: 
El documental aborda cómo se gestó el fenómeno “dance” generado por los franceses Daft Punk a lo largo de estas dos últimas décadas. Aliñado con entrevistas concedidas a admiradores y amigos del calibre de Pharrell Williams, Giorgio Moroder, Nile Rodgers, Kanye West o Michel Gondry, el film de Hervé Martin-Delpierre también ahonda en la perspectiva creativa y la ambición acuñadas por Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo desde sus inicios.

Leonard Cohen: I’m Your Man:
Es un especial reportaje estrenado en 2006 que disecciona obra y legado de Leonard Cohen a partir de un show homenaje “Come So Far For Beauty” – al cantautor que Nick Cave, Jarvis Cocker, Beth Orton, Rufus Wainwright, Martha Wainwright, Antony y dos coristas de Cohen (Perla Batalla, Julie Christensen) ofrecieron en enero de 2005 en la Opera House de Sidney (Australia).

Still III: 25 Years Of The Beastie Boys Ill Communication: 
Una producción de tinte documental en el que Michael «Mike D» Diamond y Adam «Ad-Rock» Horovitz ahondan en la concepción de aquel álbum que editaron en 1994. De 15 minutos de duración, el reportaje profundiza lo vivido por Beastie Boys tras el lanzamiento de «Paul’s Boutique», llegando a capturar aquel punto de inflexión que la formación vivió en términos comerciales entre la publicación de «Check Your Head» y el propio «Ill Communication».

Kid A de Radiohead: 
El documental muestra una serie de entrevistas concedidas por Thom Yorke y Phil Selway con el fin de detallar al gran público el proceso de concreción del sucesor de «Ok Computer». El film, de 46 minutos de duración, también presenta grabaciones inéditas de estudio e interpretaciones en vivo captadas para la BBC.

Understanding Josh Homme: 
Repasa la trayectoria del Palm Desert, detallando de forma minuciosa el habitual método compositivo del que fue uno de los pilares de Kyuss, conjunto considerado como un grupo de culto dentro del panorama stoner rock internacional. A su vez el vídeo también incide en proyectos paralelos, y en algunas de las influencias que han llevado a Homme a ser el que es hoy.

The Art Of Protest: 
Es una producción que repasa nacimiento, evolución y (temporal) extinción de una de las bandas más relacionadas con el activismo de las tres últimas décadas. Ni el trío, ni Zack De La Rocha participan en el film, pero sí que aportan su granito de arena ilustres figuras del sector como el productor de su álbum debut (Garth Richardson), la persona que consiguió que firmasen con una «major» (Michael Goldstone) o uno de los mitos de la canción protesta (Jerry Silverman). Entre otros asuntos, se habla sin tapujos sobre la conocida tensión existente en finales de los noventa / principios del año 2000 entre las dos cabezas pensantes del conjunto: Tom Morello y De La Rocha.

David Bowie, cinco años: 
Centrado en analizar los grandes puntos de inflexión determinados en la carrera de Bowie. Desde la creación de Ziggy Stardust en 1971, pasando por la publicación de ‘Fame’ (1975) co-escrita con John Lennon y llegando hasta la concepción del disco «Let’s Dance» con el que tocó techo en términos comerciales (1983). Dirigido por Francis Whately, este film de la BBC estrenado en 2013 cuenta con apariciones estelares de grandes figuras del sector como Brian Eno, Tony Visconti, Nile Rodgers o Carlos Alomar, entre otros.

Excelentes documentales, esperemos que sean de tu agrado y así sobrellevar esta cuarentena. Llegamos así a la parte final. Yo soy Alex y solo me queda decirte pórtate bien y cuídate bien. Quédate con la mejor información de Tenis tenis, que tengas un excelente fin de semana. 

El 8 de Febrero del 2013, el saxofonista Chris Potter presentaba bajo el sello ECM, el álbum “The Sirens”, siendo su primer material como líder, un logro significativo para el artista después de dos décadas de carrera. Para el artista fue importante este salto, mucho más en lo referente a la disquera que lo firmaba, pues anteriormente con las casas con las que trabajó, no sentía que fuera tanto el respeto por el género como el de ECM según la experiencia del  propio Potter.

Dentro de su carrera melódica, existen nombres que lo ayudaron a posicionarse dentro de la sincopa, como el de Dave Holland y Paul Motian, a quienes acompañó en más de una ocasión dentro de sus proyectos, y por supuesto de los cuales aprendió bastante desde 1994 cuando inició a darse a conocer en la industria.

Pero en este 2013, el músico decidió dar un brinco más allá y componer sus propias canciones, lejos de los clásicos estándares que hasta entonces había presentado en sus anteriores materiales.

El disco fue compuesto en sólo dos semanas, para lo cual Potter se inspiró en el clásico literario “La Odisea”, de Homero. Dando un toque épico y hasta cierto punto místico a sus melodías, según la crítica especializada.

La parte instrumental corrió a cargo de tres músicos, el pianista Craig Taborn, el bajista Larry Grenadier y el baterista Eric Harland, además de agregar en ciertas piezas a otro pianista, el músico David Virelles, pues según los críticos especializados, mientras Taborn hace grandes aportaciones a las piezas con sus “solos”, Virelles agrega color y atmósfera a las canciones, reflejado en la pieza “The Shades”, donde ambos hacen notar su talento en el instrumento del blanco y negro.